Héctor Luján

Héctor Luján

Héctor Luján es el prototipo de artista emergente del siglo XXI. Se mueve como nadie entre las imágenes 3D, la ilustración y el vídeo, haciendo de su obsesión por lo fetish, su punto de inspiración. Luján vive fuera de su zona de confort, buscando siempre nuevos formatos y formas que hagan crecer su proyecto, que es su manera de entender el arte, lejos del conformismo y la especialización.

En esta entrevista, Héctor nos detalla su acercamiento al fetichismo, desde los villanos de cómic de su infancia a la hiper-masculínidad que triunfa en el público gay, lo sintético y la búsqueda de lo más visceral dentro de este entorno. Acostumbrado a exponer en formatos digitales, el artista explica los beneficios y peligros de la red, así como nos habla de sus últimos proyectos, en los que saldrá de lo digital para adentrarse en el diseño y producción de productos de la mano de zapatillas deportivas, una de las claves de toda su obra artística.

PH – Llegas al mundo del arte a través del diseño gráfico y el 3D, pero también haces cortos, fotografía e ilustración, ¿en qué disciplina te sientes más cómodo?

HL – En ninguna y en todas en realidad. Siempre he sido muy curioso, y es por esto que mi campo de creación está siempre ampliándose, aunque los conceptos que trabajo siempre sean los mismos. Creo que esto se debe a que me baso en ‘el proyecto’ como forma de creación, esto es algo muy abierto, que suele y que tiene que abarcar varios caminos y medios. Es entender la creación de forma orgánica, sin tener una obra final a la vista, de momento.

A veces pienso que esto es lo correcto, abarcar varias disciplinas, y no permanecer en una zona de confort, aunque siento que así nunca llegaré a especializarme en ninguna de ellas.

PH – ¿Es la multidisciplinariedad un nuevo valor en el arte emergente, que no se reduce a un solo método de expresión?

HL – Así es, pero no es un factor determinante del arte emergente. Quizás es porque ahora tenemos la suerte de tener más accesibles los medios y la tecnología, que están en constante cambio y crecimiento. También creo que tiene que ver con un cambio de mentalidad en los nuevos artistas, somos más curiosos e inconformistas, y nos gusta de alguna manera transgredir y transformar la herencia que otros nos han dejado.

PH – El fetichismo es una de las constantes en tus obras, ¿cómo pasa una filia a convertirse en una de las claves de tu aproximación al arte?

La cuestión se remonta a mi infancia. Cuando era peque, me apasionaban los personajes de ficción en películas, series y animes que tuviesen una transformación de humano a ser superior con poderes (esto era muy importante para mí) con una estética muy marcada y potente, generalmente los villanos, por su psique y carácter más oscuro. En muchas ocasiones sus poderes provenían de sus propios trajes o de algunos objetos exentos a ellos, a forma de extensión de sus cuerpos. Y creo que es ahí donde entra el fetichismo, en abandonar tu cuerpo para ser otra cosa, o en dotar de otro carácter a un objeto o cuerpo. Se trata de transformar la concepción social de una cosa para transformarla en otra mejor, en el uso de una máscara o un traje para crear una actitud o identidad, en lo superficial y lo material. Entonces, este tipo de relaciones entre fetichismo, personajes de ficción, súper poderes, trajes futuristas, seres extraterrestres, materiales sintéticos y naves espaciales es lo que hace que pueda entender una filia como una aproximación al arte.

PH – ¿Qué nos puedes contar de SKRATXXX PROJECT uno de tus últimos proyectos audiovisuales?

HL – Nace como proyecto final en la carrera de Bellas Artes, y continúa hasta el día de hoy. El proyecto empieza desde Internet y para Internet, es decir que yo empiezo haciendo collages con imágenes que otros usuarios cuelgan y otros usuarios usan mis obras después, Internet es y debe ser intercambio, todo esto desde un concepto fetichista centrado en la filia por la ropa deportiva, las zapatillas y los entornos que lo rodean.

Como el proyecto pasa por varios medios y etapas, quería unificar todo bajo una misma línea y lugar, y nombre. Actualmente el proyecto se encuentra en una etapa entre 3D y pequeñas obras de video.

PH – También el homoerotismo tiene un papel predominante en tu discurso artístico, ¿se podría interpretar como una oda a la masculinidad en el sentido más clásico?

HL – No, el concepto de masculinidad no tiene los mismos tintes ahora que en un contexto clásico, de hecho son bastante transversales. No me interesan las proporciones o la búsqueda de la perfección a través del cuerpo, me interesa su destrucción, sus cicatrices, su carácter más visceral y humano. Aunque sí que es cierto que en mi proyecto hay un canon presente en la morfología de los personajes, haciendo más válidos a unos que a otros.

Por otra parte, me baso en el concepto de ‘híper-masculinidad’ como una actitud híper-forzada que tienen los personajes a través de los elementos de relación o extensión, como los coches, el chándal, las motos, el gimnasio… Elementos que suelen estar relacionados a esa actitud tan ‘bestia’ que tanto atrae a gran parte del público fetichista homosexual.

PH – Siendo la mujer la musa por excelencia a lo largo de la historia del arte, ¿está el arte emergente y, más concretamente, los nuevos artistas gays transformando el paradigma?

HL – Esa afirmación es peligrosa, pero sí que es verdad que la iconografía femenina ha sido más memorable. Históricamente hablando, podemos recordar más musas femeninas que masculinas, pero el arte está repleto de inspiración en figuras e iconos masculinos desde sus inicios hasta hoy.

Puede dar esa sensación, pero no debemos de caer en el error de relacionar nuevos artistas gays con obras repletas de cuerpos desnudos, penes y sexo, porque estaríamos cerrando puertas y quitando visibilidad a la gran variedad de temáticas que trabaja este colectivo.

PH – ¿Cuáles son los referentes que más han influido en tu discurso artístico, sean o no artistas?

HL – Creo que mi discurso se ve afectado por una gran cantidad de personajes de varios ámbitos de lo creativo y lo mediático. Pensando en artistas, destacaría a Tom of Finland o Keith Haring sin alguna duda. Aunque en mi discurso hay un cierto tono crítico e irónico, que está inspirado o es producto de la misma sociedad en la que vivimos.

Mis referentes se encuentran en la cultura de la TV, la ciencia ficción, tecnología, en la música y la cultura de los 2000s. Mi proyecto y discurso se encuentra en relación con todos ellos.

PH – ¿En qué lugar te encantaría exponer?

HL – No tengo el deseo de exponer en un lugar en concreto ahora mismo, me interesa más que si es fuera de internet, en una sala o espacio, estos sean amplios, con la capacidad de poder proyectar, exponer obra física, digital y poder relacionar el espacio con la obra en sí, y esto no es tan fácil. Viéndolo así el lugar ideal podría ser una sala o club de fiestas fetish, pero de momento esto no me preocupa, me centro en exponer digitalmente hasta que vaya teniendo una obra final más concreta y más contundente y sea el momento óptimo para exportarlo a una exposición.

PH – Eres uno de los artistas participantes en la publicación de Flamantes #6, ¿qué supone para tu carrera artística la participación en la publicación?

HL – Supone su expansión. El hecho de tener tu obra impresa en un catálogo, un objeto físico, junto a otros artistas emergentes es gratificante y muy guay. También ha supuesto darle bastante visibilidad a mi obra y que muchos se hayan interesado por ella.

PH – Utilizas Tumblr, Twitter, Instagram y Youtube como escaparate de tus obras. ¿Qué aportan cada una al artista? ¿Cuál es tu favorita?

HL – Las redes aportan la inmediatez, la facilidad, el no tener que depender de nadie para exponer tus ideas, resumiendo, ser tu propio jefe.

La verdad que estas redes pueden parecer similares, pero a la hora de compartir noticias breves, eventos o algún dato concreto, funciona mejor Twitter o Facebook. Si el objetivo es la propagación y el escaparate de la obra me quedo con Instagram y Tumblr, que tienen más funciones y llegan a más gente. Por último, Youtube está bien en el caso de que tengas una obra audiovisual amplia, si lo tuyo es imagen gráfica, no tiene mucho sentido mover tu proyecto por esta plataforma, a menos que cuelgues tutoriales.

Mi favorito es Tumblr, que es donde empieza el proyecto y donde obtengo gran parte de las ideas para el mismo. Actualmente estoy más centrado en Instagram, pero vivo una relación muy tormentosa con esta app.

PH – ¿En qué sentido la aparición de Internet ha transformado la manera en el que un artista expone su obra?

HL – En todo, principalmente en la autogestión y la exposición de la misma, aunque esto genera también varios problemas de carácter digital como los copyright, la distribución ilegal, etc. Pero alejándonos de lo negativo, Internet es fuente de inspiración y de exposición para los artistas, que a la vez inspiran a otros usuarios.

PH – Si tuvieras que definir tu forma de entender el arte, ¿cómo lo harías?

HL – Mi forma de entender el arte es tan abierta que va a ser difícil acotarla en un párrafo. Para mí, es arte todo lo que entra por los sentidos y genera diversas sensaciones en tu cuerpo. Cuando empiezas a establecer relaciones entre esos estímulos y otras cosas, otras referencias, es el momento en el que nace el arte. Pienso que el arte trata sobre ese juego de relación entre las cosas que te causan un impacto en ti.

PH – ¿En qué proyectos estás centrado actualmente?

HL – Actualmente me encuentro realizando estudios de Diseño, con el objetivo de ampliar mi campo creativo y profesional, e ir centrándome en el diseño de productos y espacios para futuros proyectos. Por otra parte, mi obra se encuentra totalmente inmersa en el campo 3D, que es un ámbito en el que estoy empezando a estar cómodo y también en la realización de obras de video.

PH – ¿Qué proyectos te encantaría iniciar en un futuro?

HL – Tengo pensando para finales de año empezar un proyecto musical, por decirlo de alguna manera. Me interesa la producción musical y la creación visual para poder generar algún tipo de performance más completa y envolvente a través de la música electrónica, el 3d, el video-mapping y el videoclip convencional. todo esto en relación con los conceptos y el carácter fetish del proyecto, claro.

PH – Por último, pongámonos a soñar, ¿dónde te gustaría estar a largo plazo?

HL – Ahora que estoy centrado en el diseño y producción de productos, estoy empezando a trabajar en ‘concepts’ y prototipos de zapatillas, que es algo que me apasiona. A largo plazo y apuntando alto, mi sueño profesional sería pertenecer al equipo creativo de calzado en Nike, y seguir produciendo obra artística, claro.